Barcelona Cultura

"La principal función de mis piezas es proyectar identidades"

Hablamos con el artista Ramon Puig Cuyàs sobre la exposición de su obra

P) Qué hizo que te decantaras hacia la joyería?

R) Si algo me hizo descubrir que la joyería podía ir más allá del que decorativo y ser un medio válido para crear un lenguaje capaz de tratar con los problemas universales del arte y de la creación, fue el descubrimiento de la obra de creadores como Manuel Capdevila , Aureli Obispo, Joaquim Capdevila o Sergi Aguilar, o de los alemanes Herman Jünger, Frderich Beker, el eslovaco Anton Cepka y otros muchos, que a pesar de tener diferentes sensibilidades, tenían en común una actitud, un proyecto de redefinición y de renovación de la joyería.

La joyería que ellos practicaban me interesó porque reflejaba una actitud inconformista, de desafío, de transgresión, y era consecuente con un compromiso, con la ideología de democratización social de la década de los años cincuenta, y mucho más intensamente de los sesenta y principios de los setenta. La Escuela Massana, donde yo empecé a estudiar joyería, (de una manera casi casual, entre 1969-1974) proporcionaba el ambiente necesario que me ayudó y estimuló a hacer estos descubrimientos. Manuel Capdevila fue el primer profesor que organizó los cursos de joyería el 1959, y que aunque no estuvo muchos años, marcó por siempre jamás el espíritu y la filosofía del departamento de joyería de Massana.

P) Qué hace tan especial el mundo de las joyas?

R) Para mí, la joyería es una forma de arte que, como creador me permite, con mi trabajo diario con las manos y los materiales, sentir un íntimo sentimiento de libertad y compartirlo con los demás. Me permite materializar una indefinible necesidad de transformar, de construir, de dar a luz, de hacer visible el que está invisible. Proyectar y construir significa vivir la emoción de unos instantes de plenitud. La joyería ha sido siempre unido a un proyecto vital, una aventura. Con el devenir del tiempo, al transcurrir los meses, los años trabajados en la obra de creación, van transformando el mundo de incertidumbres en qué se produce la creación en un universo de certezas, si bien siempre provisionales, y que son portadores a su vez de nuevas interrogaciones, de nuevas hipótesis que mantienen la tensión y la energía de la evolución artística.

P) Qué relación quieren establecer tus piezas con el cuerpo humano?

R) Yo creo que más importante que la relación con el cuerpo, es la relación con la persona, con los sentimientos más profundos y universales de todas las personas. El ornamento primitivo sobrepuesto al cuerpo, más que un signo, era un acto mágico, la principal finalidad era la protección, la defensa contra una naturaleza salvaje y hostil, después, con el tiempo y creyendo domesticada esta naturaleza, se convirtió en símbolo de ostentación, de poder y de riqueza. Todavía conserva un poco de esta magia de sus orígenes, quizás porque hoy descubrimos que continuamos necesitando ser protegidos. La principal función de mis piezas al ser llevadas puede ser la defensa contra el anonimato, a veces ayudando a construir, ampliar y proyectar identidades muy personales e íntimas, y otras veces construyendo otras identidades mucho más difusas y compartidas.

La joya siempre ha llegado a su plenitud al ser transportada sobre el cuerpo, no le conviene el sedentarismo. Permanecer cerrada en una caja fuerte o en un joyero, en estuche o vitrina, aunque sea para protegerla, le anula. La joya necesita ser transportada, de un lugar otro, sobre el cuerpo de un portador, hablando de identidades y de deseos, de protecciones y de seducciones y donde cada nueva mirada nos descubra algo nuevo.

P) Cómo definirías el lenguaje de tus creaciones?

R) El lenguaje plástico es como el lenguaje del habla, va creciendo con nosotros desde la infancia, influenciado por el contexto social, geográfico y cultural. Yo creo que si es verdadero, no se elige voluntariamente, se forma de una manera natural mientras avanzamos en nuestro trabajo de creación. En mi caso yo creo que está muy determinado por la necesidad que tengo de estructurar formalmente mis piezas a partir de una estricta sintaxis compositiva que se acerque o que dé la impresión de una polifonía. Buscar un sonido, unas armonías en la relación de las líneas rectas y curvas, en las contraposiciones de planos, en los contrastes de los colores y los materiales. Posiblemente por esta razón la mayoría de mis trabajos se estructuran como composiciones de elementos separados a manera de acoplamiento, creando más espacios virtuales que volúmenes llenos. Procurar que el objeto no sea visto, no sea percibido íntegramente al primer vistazo, sino que la mirada vague y recorra una sutil red de itinerarios visuales, explorando y descubriendo las relaciones de armonía y contraste entre las diferentes partes del objeto, haciendo necesario un tempo para que la mirada pueda posarse por todos los rincones de la composición.

En mi caso, salvo las distancias y con el debido de respeto, diría que mi modelo a imitar es la música intemporal de Bach, el deseo de conseguir la perfección, la claridad de su estructura pero también la profundidad de su misterio. Por otro lado puede observarse en mis trabajos una constancia y estabilidad en las formas y en los elementos simbólicos utilizados en la composición, que se combinan entre sí, constituyendo un cierto estilo. Un estilo que, como he apuntado antes, surge espontáneamente, con un concepto dinámico, que va tomando un sentido nuevo a cada obra.

P) Qué importancia tiene la interrelación entre las diferentes disciplinas del diseño y la creación en tus piezas?

R) Me gusta considerarme como un artesano, como aquel artesano en el cual soñaba Walter Gropius, cuando decía que el artista es un artesano más elevado, que en escasos momentos de claridad, se sitúa más allá de su voluntad, y el arte florece inconscientemente bajo sus manos. Trabajo continuamente para reencontrarme con estos escasos momentos de claridad, cuando todo parece fluir sin esfuerzo de un manantial profundo. Creo que la producción o la creación artesanal contribuyen al bienestar y a la sostenibilidad de nuestro mundo, lo decía William Morris, lo dice Richard Sennett. Siempre he intentado hacer objetos extra-ordinarios, es decir, fuera de lo ordinario, pero cargados de función simbólica que ayuden a sentirnos mejor y más seguros, hacer de la joya una metáfora que recupere gran parte del gesto mágico que era ponerse una joya.

P) Haznos un retrato de la joyería contemporánea actual. ¿Crees que se encuentra en un buen momento? ¿Qué camino seguirá la joyería contemporánea?

R) A pesar de que la joyería es un microcosmos dentro del mundo del arte en general, y que el público conocedor de su existencia es pequeño, creo que es un medio eficaz para acercar el arte contemporáneo a la vida cotidiana de la gente.

De alguna manera, en la joyería artística contemporánea sigue resonando el sonido ancestral del mundo de la magia, quizás una resonancia inaudible para la mayoría, pero que algunos sentimos como un hilo rojo que, cruzando el tiempo y el espacio, nos hace sentir vinculados a una herencia dejada por generaciones de artistas y artesanos y que amplifica nuestro sentimiento de pertenecer a una cultura que humaniza. Quizás esta es otra de las razones que tenemos para seguir dedicándonos a una actividad tan extraña para muchos, tan antigua, y tan aparentemente fuera de tiempo.

En definitiva, mi hipótesis personal, es decir, mi respuesta incierta y provisional del porque algunos seguimos obstinados a trabajar con un arte tan vinculado a los procesos artesanales es porque a través de él, quizás encontramos esta fuerza que es expresión de la vida, que nos da el poder de ser los amos de nuestra realidad, transformándola en un sentimiento íntimo de extrema libertad y de encontrar y compartir complicidades con otras personas a través del objeto por nosotros creado. Porque la joya sigue siendo un potente medio para construir nuestra identidad, ampliándola, y quizás también nos ayude un poco a encontrar la armonía necesaria con el mundo que nos rodea.

P) Cuál crees que es el papel de las escuelas en la profesionalización de los joyeros y joyeras contemporáneos?

R) No me gusta el término “profesionalización” cuando hablamos de creación artística, aunque esté relacionado con las escuelas y universidades. Creo que el papel fundamental de las escuelas es, antes de que nada, ayudar a formar personas. Personas con capacidad de pensar por ellas mismas. En un mundo donde se discuten modelos de globalización, económicos, tecnológicos y sociales, de crecimiento sostenible, de reparto de riqueza y de recursos, de respeto a los derechos fundamentales de las personas y de la preservación del entorno natural; las escuelas de arte y diseño, en general, y de joyería en particular tienen que formar a sus alumnos no sólo en los aspectos puramente técnicos y estéticos sino también sensibilizar en los aspectos éticos que comporta su actividad como creador y artista. Estimularlos con la reflexión de cuál es su proyecto vital. Cómo pueden influir en las otras personas y en la sociedad en general sus decisiones y actitudes. No es posible una posición neutral. Las escuelas de joyería tienen que seguir trabajando para que la joyería artística sea la expresión de las necesidades culturales de una sociedad, pero también la expresión individual de su creador. Las escuelas no pueden quedar al margen de estos fenómenos, escondidas detrás de una estricta formación técnica y profesional. Tienen que participar en la redefinición constante de los oficios, como el de la joyería, y contribuir a mejorar y a crear nuevas maneras de pensar y de vivir más humanas.

P) Estos meses de septiembre y octubre podremos ver una exposición de tu obra en el Disseny HUB Barcelona de la mano de A-FAD y Feria JOYA. Qué encontraremos en esta muestra?

R) La exposición propone un recorrido, una mirada minuciosa y atenta a una buena parte de la obra creada desde los inicios de los años ochenta hasta la actualidad.

A través de una selección de 200 piezas realizadas durante estos años, se puede observar con una perspectiva histórica, la evolución de los planteamientos conceptuales y formales que han ido conformando mi obra como un todo. Una obra que hay que enmarcar, en parte y por cuestiones generacionales, dentro de uno de los periodos históricos más importantes de la joyería artística, la de la segunda mitad del siglo XX, pero que tiene una continuación hasta la actualidad.

La exposición está estructurada en 19 grupos de obras, que representan algunas de las más importantes series y suites en que se agrupan las piezas realizadas durante estos años.

Entrevista hecha por A-FAD.  

 

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