Pensar al borde del discurso

Andrea Soto Calderón

En la historia del pensamiento occidental, la imagen muchas veces se ha entendido como una forma degradada de conocimiento, una duplicación o un simulacro que debe ser superado en dirección al concepto. Desde luego, lo que se entienda por concepto no tiene una interpretación unívoca; los conceptos, si bien definen un determinado campo a partir de un número de rasgos distintivos, también son operadores de desplazamiento, una apertura que acoge un paisaje diferente, responden a problemas específicos y están situados históricamente. Los conceptos son dinámicos, atraviesan y exceden sus propias determinaciones, no son formas vacías. Sin embargo, esta jerarquía del pensamiento conceptual ha inhibido la sensibilidad del espacio plástico. Como sostenía Jean-François Lyotard, «desde sus orígenes, nuestra cultura ha obstruido en profundidad la sensibilidad del espacio plástico» (1971). 

En este seminario nos interesa pensar ese borde donde comienza a ceder el discurso y se puede intervenir en la materia misma del lenguaje y desdoblarla en su último instante. Para ello, desarrollaremos tres sesiones en las que, cada día, se invita a un artista a reaccionar plásticamente a las reflexiones discursivas que intentan levantar otras categorías críticas para pensar las imágenes. Las intervenciones artísticas no tienen el estatuto de obras, sino de experimentaciones, juegos y procedimientos que empujan a las formas hasta donde las líneas se confunden.

PROGRAMA

25 de noviembre 
Ritmo e imágenes, con Lola Lasurt

26 de noviembre 
Hacer palpitar los afectos de la materia, con David Bestué 

27 de noviembre 
Pensar desde los bordes, con Marta Azparren

Lola Lasurt, artista que, en sus instalaciones pictóricas, objetos cerámicos, vídeos, trabajos editoriales y procesos colaborativos, se vale del pasado reciente para mostrar algunas de las paradojas del propio pasado, pero también del presente. Lejos de los mecanismos de la historiografía, a menudo plantea sus propuestas como una reapropiación del pasado en clave crítica y micropolítica. Una arqueología del presente en la que, entre otros elementos, incluye la pintura como un punto de partida o una primera tradición por revisar. Estudió Bellas Artes y un posgrado en Filosofía en la Universitat de Barcelona, y otro posgrado en Bellas Artes en el HISK - Higher Institute for Fine Arts de Gante. 

Ha expuesto individualmente en espacios como el Museu Abelló de Mollet del Vallès (2011), la Sala Muncunill de Terrassa (2012), la Fundació Joan Miró de Barcelona (2014), el World Trade Centre de Bruselas (2016), La Capella de Barcelona (2020), la Fundació Joan Brossa de Barcelona (2021) y el Centro Federico García Lorca de Granada (2022). Su obra se encuentra en colecciones como la del IVAM de Valencia, el Museu Abelló de Mollet del Vallès y el MACBA de Barcelona, entre otras.

David Bestué, artista que trabaja con diferentes técnicas escultóricas como el molde, el modelado, la pulverización o la reutilización de elementos encontrados. De él destaca un especial interés por la materialidad como cualidad escultórica: busca llevar el lenguaje a la dimensión física a través del propio material y utilizarlo como catalizador de la pervivencia del pasado trasladado al presente. Esa influencia del lenguaje, especialmente poético, se refleja también en su concepción del tiempo. Entre sus exposiciones individuales más destacadas se encuentran Pajarazos (Museo Patio Herreriano, Valladolid, 2023), Ciutat de sorra (Fabra i Coats, Barcelona, 2023), Aflorar (Museo Jorge Oteiza, Pamplona, 2022), Pastoral (La Panera, Lleida, 2021) y Rosi Amor (Museo Reina Sofía, MNCARS, Madrid, 2017). En marzo de 2025, además, el artista inauguró una exposición en el Centro de Arte Dos de Mayo (CA2M) en Móstoles, Madrid, titulada Flor Hispania. Su obra está presente en las colecciones del MNCARS, el MACBA y el CA2M, entre otras. 

Marta Azparren, artista visual. Se mueve entre el cine experimental, las artes vivas y el dibujo. Es licenciada en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid y máster en Estudios de Cine y Audiovisual Contemporáneos en la Universitat Pompeu Fabra de Barcelona. Fue becaria residente en la Real Academia de España en Roma en 2022 (cine experimental). Su trabajo propone una metarreflexión sobre la actividad artística con especial atención a las conexiones entre creadora, espectadora, obra y maquinaria interna de la mediación, la producción y la exhibición. Su trabajo se ha mostrado en Cineteca Matadero, el CA2M, el Festival Domingo (La Casa Encendida), el Xcèntric del CCCB, La Capella, el Círculo de Bellas Artes, la Real Academia de España en Roma, el Arts Santa Mònica, el Festival de Otoño, la Triennale di Milano, el Werkleitz - Centre for Media Art, el Centro Cultural de España en México, Art Beijing y los festivales LOOP, Festival de Cine de Madrid, New Media Film (Los Ángeles); DFA’s Dance on Camera (Nueva York), Videoformes Kassel Dokfest, Strangloscope, CineToro, Les Instants Vidéo y Zebra Poetry Film, entre otros. Ha publicado el ensayo Cine ciego. Detener el flujo de las imágenes, sobre el cine monocromo y las imágenes sin imagen en Libros de la Resistencia (2.ª edición, mayo de 2023.

Andrea Soto Calderón es doctora en Filosofía y profesora de Estética y Teoría del Arte en la Universitat Autònoma de Barcelona. Ha desarrollado sus investigaciones en Valparaíso, Barcelona, Lisboa y París. Sus líneas de investigación se centran en las transformaciones de la experiencia estética en la cultura contemporánea, la investigación artística y el estudio de la imagen y los medios, así como en la relación entre la estética y la política. Ha escrito diversos artículos académicos, capítulos de libros y textos para catálogos de artistas. Entre sus publicaciones destacan sus libros Le travail des images, junto con Jacques Rancière (Les presses du réel, 2019), La performatividad de las imágenes (Metales Pesados, 2020), Imaginación material (Metales Pesados, 2022), Imágenes que resisten. La genealogía como método crítico (La Virreina, 2023) e Indisciplinas de la mirada (Kikuyo, 2025).